Black Alpaga’s logo was designed by Byebye Bambi a multidisciplinary graphic design studio located at Montreal.

http://www.byebyebambi.com/design-graphique/#/black-alpaga/

Example of Yeti by RealtimeUK – http://vimeo.com/90395151

A very surprising artistic choice for this mark but finally a really funny and cool rendering !

Character modeling: Joan Pons
Character rigging: Remy Dereux
Compositing: Bastien Brenot
Final packshot: Michael Mac

Très long projet d’architecture 3D que je viens de finir il y a quelques jours car il a débuté en mai 2011 ! C’est en réalité le mélange de 2 projets d’architecture.

Retours et explications de ces deux travaux.

Neal Creek Residence

J’ai débuté ce projet en mai 2011 pour m’entrainer sur le lighting et le rendu architecturale dans le but de rentrer à ATI. Je dirais plus spécifiquement que c’était aussi un moyen d’apprendre plus en profondeur des techniques d’illumination indirecte car à l’époque tout ça me paraissait plus ou moins obscure.

Je cherchais des références d’architecture minimaliste, déjà parce que j’aime beaucoup ce style et aussi parce que je ne voulais pas passer des jours à modéliser une pièce.

Après plusieurs jours de recherche je suis tombé sur un projet de Paul McKean architecture, ce nommant Neal Creek Residence. Pas spécialement complexe à modéliser, je me suis tout de suite dit que je pourrai faire des cadrages intéressants. C’est comme cela que j’ai commencé à modéliser le salon, cela m’a pris 2 jours pour cette première étape.

Une fois fini j’ai débuté le lighting et là je dois dire que j’ai rencontré beaucoup de problème à cause de mon inexpérience. J’ai bien dû passer presque un mois à expérimenter car j’étais seul et que je n’avais pas vraiment d’aide à proximité. Appréciant beaucoup les couchers et les levés de soleil car je considère que ce sont des moments de la journée où la lumière est la plus intéressante que ça soit pour la photographie ou la 3D, j’ai réalisé un lighting dans ces ambiances-là. A la fin du projet vers juin 2011, j’étais content du résultat même si le temps de rendu n’étais pas du tout optimisé, entre 1h et 1h30 pour une image. Je n’avais sorti aucune passe à l’époque par manque de temps et de connaissance technique.

Projet de lighting pour ATI

Environ un an après, on devait réaliser un éclairage d’intérieur pour notre cours de rendu/lignting. Avant de commencer l’exercice je me suis dit que ça serait intéressant de faire une vidéo en rajoutant mon premier projet que j’avais fait l’année précédente. Je cherchais à avoir la même ambiance afin de me permettre de passer facilement d’un projet à l’autre sur la vidéo. Vu que je connaissais plus ou moins bien les techniques de lighting et d’illumination indirecte sur Mental Ray, le rendu c’est fait sans grande difficulté. Les problèmes sont apparus lors du rendu de la vidéo à cause du flickering notamment et du temps de rendu très long provoqué par l’utilisation de portal light.

Beauty

Corbeille

Lumière volumétrique

Z-depth

En réalité j’ai passé des semaines à essayer de rendre ce projet sans que ça flick en ne dépassant par les 20 minutes par image sur ma config. Finalement après avoir testé quasiment toutes les techniques je ne crois pas que ça soit possible, du moins sur Mental Ray à part si on explose les samples et que l’on atteint 45 à 1h de rendu par image, ce qui au final fais presque 200h de rendu pour 10 s de vidéo. Finalement j’ai séparé les éléments qui posaient problèmes le plus et je les ai composités ensuite, cela a plutôt bien marché même si je dois dire que le flick est plus ou moins caché avec le grain ajouté en compo : )

Endless Sunset

Une fois ce projet rendu avec la vidéo, il fallait rendre une vidéo pour le salon de Neal Creek. Avec tous les projets que l’on devait rendre pour la fin de l’année je n’ai pas du tout eu le temps de travailler dessus, j’ai voulu attendre les vacances d’été pour m’y remettre. Pas de chance, mon PC est tombé en panne pendant plusieurs semaines d’aout à septembre, j’ai donc repoussé le projet un peu plus encore. A la fin de mon stage chez Fullscreen, Philippe Fournier m’a laissé quelques jours pour bosser ce projet au studio, je le remercie, il m’a fait gagner pas mal de temps car les stations de travail la bas étaient en terme de puissance sans commune mesure avec ce que j’avais à disposition chez moi. Je n’ai finalement pas eu trop de problème à rendre une vidéo de ce salon mis à part le temps de rendu long des 300 images.

Beauty

Matte RGB

Lumière directe

Occlusion

Lumière volumétrique

Z-depth

Poussière

Le compositing c’est ensuite fait rapidement ce qui m’a permis de finir la vidéo une semaine après la dernière image rendu.

Ce projet m’aura appris beaucoup de chose et notamment que si je veux continuer à faire des projets vidéos persos avec des rendus réalistes il faudra envisager de trouver d’autres moteurs plus rapide sous peine de perdre des semaines en calcul d’image ! Je pensais faire un making-of, mais je n’aurai malheureusement pas le temps !

Découverte de One More Beer!, un court métrage réalisé par les Brésiliens Pedro Conti et Alan Camilo.

Pour leur projet ils ce sont aidés de quelques autres personnes pour des taches où ils avaient besoin de personnes très spécialisées comme le rig ou le sounddesign. Pour le reste Pedro Conti c’est occupé de la direction artistique, du design, de la modélisation, des textures, du développement, des lumières, du rendu, des effets spéciaux et de la post production. En clair des semaines de travail !

En tout cas le résultat est de très bonne facture.

Première fois que je parle d’AMV (Anime Music Video) ici, pourtant j’ai passé beaucoup de temps dans la sphère AMVesque étant plus jeune. C’est très certainement grâce à ça que j’étudie la 3D désormais ! Dans tous les cas, j’ai arrêté et je ne pense pas m’y remettre même si j’ai quelques idées de clip.

Mais je suis toujours l’actualité de ce milieu notamment grâce au site Russe amvnews. Depuis quelques années je trouve que le milieu ce dégrade, c’est moins créatif, les gens expérimentes moins, c’est devenu presque commercial j’ai envie de dire.

Finalement depuis le génialissime Rerun de Trampler qui avait fini 3 ême au Big Contest 2009, je ne me suis plus vraiment pris de claque.

Mis à part peut-être avec le clip PencilHead de Q&A qui va très loin techniquement,  qui a demandé énormément de temps de travail et qui est au final très réussi.

Pour moi c’est clairement poussé l’AMV à son extrême, entre montage et animation 2D. Etrangement Trampler est motion designer pro et Q&A travaille ou étudie dans l’animation, du coup cela explique leurs réalisations si poussées !

Bref je referme cette grosse parenthèse, je voudrais vous parler de Catharina aka Siny. Une designeuse et monteuse d’AMV.

Sur son compte animemusicvideo.org, elle évoque qu’elle fait parfois des clips pour surpasser une obsession qu’elle a d’une musique ou d’un animé. Je relève ce ressenti car je pense que dans le milieu on a tous plus ou moins cette obsession de pousser un projet jusqu’à son terme, c’est presque ça qui nous donne la force de faire des clips. Une obsession qui vient la plupart du temps d’une musique , d’un animé, ou de la vision des 2 ensembles. Pour moi c’est le troisième cas, et c’est toujours comme ça pour mes projets actuels.

Ce qu’elle fait est loin d’être exceptionnel mais c’est propre, cela fonctionne bien(même si cela reste un peu pompeux dans l’éxécution) et elle a fait 3 clips intéressants depuis quelques mois. Ce que j’aime bien dans ses clips c’est qu’on ressent une certaine émotion un peu magique (le fameux SPIRIT =) ).

Le premier est Age Of Man, elle montre certains contrastes de notre société en jouant avec les typos, l’opposition du  N&B et de la couleur. On a clairement une impression de déjà vu avec cette musique d’Hans Zimmer mais cela reste efficace et bien exécuté !

Cette musique d’Hanz Zimmer, marche très bien ici, peu de chose a redire sur ça contrairement aux deux autres clips dont je vais parler et dont le choix de la musique peut être critiqué.

Watery Symphony Of Kai, pas vraiment d’histoire pour ici, mis à part de s’évader en écoutant le pianiste. C’est un prétexte pour nous montrer de belles images avec toujours le principe de garder des transitions simples et qui marchent d’une séquence à l’autre. Le montage reste simple et efficace.

Assez nostalgique pour moi car il me fait penser au clip de Funky-Kun sorti en 2008 Just For A Day. L’ambiance et les sources utilisées ce ressemblent.

Mais on peut se demander pourquoi ce choix musical car il n’y a pas vraiment de rapport avec le pianiste à l’écran. Néanmoins toutes les variations de rythme musical sont bien retranscrites à l’écran ! Musique obsessionnel pour elle ? Peut être

Le dernier, Creating Something Beautiful, est un hommage au studio Ghibli. Toujours avec ce montage simple et un rythme efficace. On se demande quelques fois pourquoi avoir mis tel ou tel image ici, ce n’est pas forcément justifié, elle c’est fait plaisir au montage et ça se voit à l’écran. Il y a encore ici une vraie recherche de transition entre les plans, c’est vraiment appréciable et on ressent la magie Ghibli !

Makoto Shinkai est un réalisateur de film d’animation japonais. Il est surnommé dans plusieurs revues japonaises comme le nouveau Miyazaki, mais il juge qu’on le surestime et que ce rapprochement avec l’un des créateurs du studio Ghibli ne lui va pas. Force est de constater tout de même que l’inspiration de ce dernier se ressent très fortement dans ses œuvres  et que pour Makoto Shinkai, Hayao Miyazaki est une de ses principales sources d’inspiration.

Originaire de la préfecture de Nagano, il a étudié la littérature japonaise à l’université de Chuo. Passioné par l’animation japonaise il désire peu à peu réaliser des courts métrages d’animation. Sa première réalisation totalement finalisé est le court métrage Kanojo to kanojo no neko diffusé en 1999.

I – Kanojo to kanojo no neko

D’une durée de 5 minutes et entièrement réalisé seul, ce court en noir&blanc dans lequel un chat raconte sa relation avec sa maitresse face aux aléas de la vie quotidienne met en avant les talents du réalisateur. En effet avec ce court il met en place son style très contemplatif comportant souvent beaucoup de plan fixe très détaillés. On apprécie déjà la richesse de ses images tout en se laissant emporter par son histoire touchante et assez décalée. Une très bonne introduction pour découvrir ce génie qui a fait tout le travail de design, d’animation, de montage et de doublage seul.

Réalisé en tant que simple amateur, il diffuse son court dans plusieurs festivals d’animation de Tokyo afin d’essayer de ce faire remarquer. Ce fut un succès, il réussit a obtenir plusieurs prix notamment le « DoGA CG Animation contest » ce qui lui permis par la suite d’avoir de nombreuses aides, notamment financières pour réaliser ses films.

Vers fin 2000 il décide de réaliser un nouveau film d’animation se basant sur une histoire d’amour impossible à cause de la distance séparent les deux protagonistes principaux. Le suspense est centré sur l’envoi de message d’un bout à l’autre de l’espace qui malheureusement peine à arriver à destination. On se demande alors si ils arriveront toujours à communiquer entre eux. Makoto Shinaki décide de passer au moyen métrage (25 minutes) pour raconter cette histoire. Malheureusement n’ayant que très peu de moyen à ce moment là, il décide de réaliser le film seul avec sa femme (compositeur) sur une période d 1 an. C’est de cette façon qu’il commença Hoshi no Koe en mai 2001 en quittant son emploi d’infographiste chez Falcom.

II – Hoshi no Koe

Son projet est très ambitieux techniquement car Makoto Shinkai doit exceller dans tous les domaines pour réussir son œuvre. En effet son film de science-fiction comporte énormément d’effets spéciaux 2D ainsi que 3D. Tout aura été réalisé sur son Power Mac G4 personnel,  Lightwave et commotion pro pour la 3D. Il c’est beaucoup inspiré de ce qu’il voyait autour de lui pour réaliser son environnement comme en témoigne ces images.

Ici les couleurs deviennent la puissance de son œuvre et font éclater toute la beauté de ses plans. Même si l’animation minimaliste ainsi que le character design auraient pu être meilleur et que globalement il y a des choses moins bonnes que d’autres on ne peut-être qu’admiratif du travail accomplit. Hoshi No Koe fut un terrible succès au japon ait permis à Makoto Shinkai d’avoir une reconnaissance plus importante.

III – Egao

Après ce film, Shinkai enchaina la réalisation d’un petit clip nommé Egao pour la chanteuse Hiromi Iwasaki. Une musique assez moyenne, on retiendra plutôt les quelques images de Shinkai. Comme dans son cours Kanojo to Kanojo no Neko il raconte la relation d’une fille avec son animal de compagnie, ici un hamster.  Même si cette œuvre est peu importante on pourra toujours admirer le style graphique du maitre.

IV – Kumo no Muko, Yakusoku no Basho (La tour, au dela des Nuages)

Kumo no Muko, Yakusoku no Basho (La tour, au dela des Nuages) est son premier long métrage. Cette fois si il sera aidé du studio Comix Wave Inc et ne sera donc plus tout seul sur le projet.  Son style est ici encore plus travaillé, les plans sont plus fins et l’animation plus fluide. Néanmoins, malgré sa grande science de la mise en scène je trouve l’histoire un peu légère, j’aurai aimé plus de rebondissement et des personnages un peu moins creux. Ce film reste très bon, ne serait-ce que pour les décors toujours aussi magnifiques et son caractère assez bouleversant.

Malheureusement je referais cette même critique sur son prochain film 5 centimètres par seconde concernant l’histoire et les personnages.

Petite parenthèse, j’avais repris des images de La tour, au delà des Nuages et de 5 centimètres par seconde pour réaliser l’intro du Memory Flash 3 – Into The Mirror en 2010.

V – Ani-Kuri

Il a participé en 2007 à Ani-Kuri, un programme regroupant 15 courts métrages d’une minute réalisés par plusieurs artistes japonais. On retrouve l’animal préféré de Makoto Shinkai : le chat.

Un making of est aussi disponible.

VI – Byousoku 5 Centimeter (5 Centimètres par seconde)

Makoto Shinkai aime nous raconter des histoires sentimentales impossible entre deux personnages à cause de la distance qui les séparent. Il reprend son thème phare dans son nouveau film 5 centimètres par seconde. Ce film est pour moi une sorte d’apogée graphique de son style graphique.

Chaque décor devient un tableau, éblouissant, poétique, on ne peut qu’être admiratif devant ses images. L’histoire qui se déroule en plusieurs années est encore plus bouleversante que dans ses anciens films. On s’attache plus aux personnages et il arrive à les rendre encore plus humain, ce qui donne le tout plus crédible. Néanmoins je regrette une certaine répétition dans ses histoires, on éprouve comme un sentiment de lassitude. Des histoires qui sont un peu trop à « l’eau de rose »  je dirai. C’est ce qui le démarque clairement des œuvres d Hayao Miyazaki, il manque cette magie, cette créativité qui transcende littéralement son film. Cette « magie « qu’il va essayer de trouver dans son prochain et dernier film Hoshi o ou Kodomo (Voyage vers Agartha).

VII – Hoshi o ou Kodomo (Voyage vers Agartha)

Dans son dernier film Hoshi o ou Kodomo , Makoto Shinkai nous raconte le périple d’une jeune écolière qui va fuir vers un monde souterrain inconnu nommé Agartha après avoir fait une étrange rencontre avec un garçon. Ici le thème du voyage initiatique est très fort et va permettre ici à l’auteur de faire évoluer la psychologie de ses personnages au cours du film. Autre chose qui nous rappelle aussi les œuvres de Miyazaki, c’est la présence des Dieux ou autres créatures mythologiques constamment présent tout au long du film. Il construit donc tout un univers fantastique qui nous laisse assez rêveur. Rêveur par la beauté des images encore plus profondes, colorées et détaillées que dans 5 centimètres par seconde. L’animation y est aussi bien meilleur et me fait penser un peu penser aux gestuels des personnages de Laputa. Oui ici l’inspiration avec le Château dans le ciel est encore plus visible que dans ses anciens films, on a même le droit à une sorte de golem de fer usé par le temps très proche du modèle de Miyazaki.

C’est la première fois que le thème de la vie et de la mort est aussi présent, c’est même un des sujets principales du film. A-t-on le droit d’être immortel et de ramener des morts à la vie ? Un sujet difficile à traiter surtout qu’il y a beaucoup d’évènement qui s’entremêle dans ce film. Et justement c’est bien ça le problème, je trouve qu’il se perd plus ou moins dans son histoire, le scénario devient au fil du temps laborieux. Ce n’est pas les dialogues qui vont l’aider car ils sont comme dans tous ces films limités. Le long métrage est quant à lui assez lent mais cela ne m’a pas vraiment gêné. Malgré ces quelques défauts Hoshi o ou Kodomo est particulièrement réussi et il arrive à se dégager tant bien que mal des œuvres d’Hayao Miyazaki. J’aimerai vraiment qu’il poursuive ses prochains films dans la voie entamée par son dernier long métrage. Malheureusement ce film l’a épuisé et il va surement revenir à des films plus simples.

Pub pour Tansei

Peu important mais tout de même très beau , Makoto Shinkai a réalisé récemment une jolie pub pour la promotion d’un tunnel en Turquie par l’entreprise nippone Tansei.

Oui il aime bien les trains ; )

Makoto Shinkai d’abord connu pour avoir travaillé seul sur ses films et aujourd’hui reconnu grâce à la richesse de ses univers détaillés. Très inspiré d’ Hayao Miyazaki il arrive à se dégager de se dernier en évoquant d’autres problématiques. Le côte écologique constamment présent dans les oeuvres de Miyazaki est par exemple ici écarté. Ses environnement somptueux n’ont pour l’instant et à ma connaissance pas vraiment d’égale, il a tout simplement pour moi surpassé tous les autres films d’animation sur ce plan. Il nous donne du rêve et on en redemande, attendant avec impatience la suite !

Découverts depuis plusieurs mois déjà, j’ai revu l’ensemble des courts métrages de Tannokojo en visionnant mes favoris sur Youtube tout à l’heure. J’en profite pour vous le présenter.

Cet artiste méconnu réalise des petits courts de quelques secondes, souvent très intense comme son excellente série VIEW. Avec un style toujours en noir&blanc et son rythme soutenu on prend facilement par à cette course poursuite bien mise en scène mais au scénario malheureusement assez brouillon.

Le sound design est vraiment intéréssant, il apporte beaucoup à l’atmosphère angoissante et survoltée. Les animations sont vraiment le point de fort de VIEW même si il y a quelques petits soucis part moment le montage dynamique nous les fait oublier ! Sa série VIEW est toujours en cours de réalisation, d’autres courts devraient sortir.

Il a aussi réalisé d’autres excellents courts, je vous les conseils vivement !

Legs est un des derniers projets d’Alexander Pettersson, animateur, illustrateur et motion designer suédois. Il nous montre ici son talent avec cette vidéo rétro. Les plans s’enchaînent de façon fluide, les effets de flamme/fumée/éclair sont vraiment très réussis ! L’animation du personnage a un petit air de celui de Jésus 2000.

Sa patte graphique se retrouve dans beaucoup de ses travaux comme dans le très bon Cuckoo.

Si vous voulez en voir plus, voici sa dernière démo réel !

Meindbender est un studio d’animation Suédois créé en 2006 par une bande de passionnés de 3D. Les 4 fondateurs Michael Bengtsson, Olov Burman, Calle Halldin et Tony Osterlund se sont rencontrés à l’université pendant leurs études en arts. Ils ont décidé de mêler leurs talents afin de créer une entreprise d’animation.

Les débuts étaient difficiles mais une année après l’ouverture du studio ils diffusèrent sur CGsoiety un court métrage nommé « Football vs Rabbit ».

Les retours par les professionnels du secteur furent bien meilleur que ce qu’ils pouvaient imaginer. C’est à ce moment-là que des entreprises importantes les contactèrent, notamment Cartoon Network.

Football vs Rabbit posa les bases techniques et artistiques de leurs futurs courts métrages d’animation. Leur procédé ce rapproche du stop motion en pâte à modeler avec un rendu réaliste. Le tout est réalisé sur Maya, rendu sur Maxwell et composité sur After Effects. L’humour est omniprésente dans leurs créations ce qui rend le tout souvent très fun.

Le projet « The Duplicators » arriva peu de temps après leur première réalisation pour Cartoon Network. Dans ce court métrage ils reprirent et améliorèrent considérablement le personnage de football vs Rabbit, personnage complétement délirant. On soulignera aussi son rigging exceptionnel.

Ils enchainèrent ensuite avec succès toute une série de court métrage reprenant leur personnage fétiche.

Parmi leurs dernières réalisations, on peut bien sur évoquer « The Pirate ». Court métrage se basant sur les relations d’un pirate avec son perroquet. Une vidéo hilarante tout à fait dans la lignée de leurs précédentes créations. On remarquera l’excellent travail de l’équipe sur toutes les étapes de réalisation, en particulier l’animation époustouflante.

Un dernier point, de nombreux professionnels se demandent pourquoi ils utilisent encore Maxwell pour leurs rendus. Michael Bengtsson l’explique dans une interview pour 3Dmag :

De nombreuses personnes se demandent pourquoi vous utilisez Maxwell Render. Pouvez-vous nous donner votre opinion sur ce logiciel de rendu, la raison pour laquelle vous avez choisi de travailler avec, et la manière dont vous contournez ses longs temps de rendu ?

Michael Bengtsson : Eh bien, en toute ironie, nous avons déjà entendu cette question une fois ou deux. J’avais pris l’habitude de travailler avec d’autres logiciels de rendu auparavant, mais après avoir changé pour celui-ci, je ne peux plus vraiment dire pourquoi nous pensons que le logiciel est époustouflant. Cependant, pour ne citer que cela, c’est d’abord à cause de sa stabilité. Nous utilisons vraiment beaucoup de géométrie high-polygon, ce qui rend nos scènes très gourmandes en mémoire. Je n’ai pas encore été en mesure de planter Maxwell avec ça. Il est possible que cela prenne plus de temps, mais cela fonctionne toujours. L’autre raison : Multilight. La possibilité de rendre les lumières séparément implique que nous ayons éliminé la majorité du temps de paramétrage avant de lancer le rendu final dans la mesure où nous effectuons toute la balance de l’éclairage au compositing. En plus de cela, Maxwell a une excellente fonction qui permet de continuer à rendre une séquence après l’avoir stoppée une première fois. Par exemple, en fonction de la scène, disons que Maxwell a besoin de boucler vingt niveaux d’échantillonnage avant que l’image soit complètement vierge de grain. Encore une fois, et pour l’exemple, cela prend trois heures à terminer. Cependant, il ne prend que quelques minutes pour lancer un rendu jusqu’aux douze premiers niveaux d’échantillonnage (SL, sample levels), comme chaque niveau d’échantillonnage double approximativement le temps de rendu. Bien qu’il y ait un peu de grain, on peut clairement vérifier si cela correspond à ce que nous voulons sans bugs, collisions de géométrie, etc. Une fois validé, nous importons ces images dans la compo et commençons le travail de postproduction attendu. Dans le même temps, nous envoyons les images à une ferme de rendu et continuons à effectuer le rendu jusqu’au dernier niveau SL. Avant, nous devions toujours attendre que les images de rendu soient terminées avant de commencer le compositing. Avec cette méthodologie, c’est vraiment agréable d’avoir fini avant la fin du rendu.

Meinbender est donc un studio avec un style radicalement à part mais qui arrive à produire des travaux originaux et de très haut niveau. Sur le court terme ils comptent continuer à produire des courts métrages mais apparemment ils aimeraient réaliser un long métrage. On n’a donc pas fini de parler d’eux.